febrero 1, 2008

Comentario Muerte de la Virgen. Caravaggio.

Posted in ARTE a 3:45 pm por geotempus

  LA MUERTE DE LA VIRGEN.

Autor: Miguel Ángel Caravaggio.

Fecha: 1605-1606.

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Dimensiones: 3,65 m X 2,45 m

Localización: Museo Louvre.

Estilo: Barroco italiano.

 CONTEXTO HISTÓRICO 

Italia. Tras el Concilio de Trento la Iglesia plantea el arte como un vehículo para la religión. El arte servirá de propaganda. A través del arte se busca atraer al creyente, haciendo que éste sienta la pasión, el sufrimiento de aquellos personajes que se representan. El creyente se debe conmover por esas obras que contemplan, por lo tanto, el sentimiento será el principal elemento de sus obras.

 TEMA 

Religioso.

La Virgen, madre de Cristo acaba de morir. Los apóstoles y María Magdalena la acompañan y sufren.

Descripción: La Virgen en su lecho de muerte , un catre, aparece con una vestimenta roja, los pies descalzos, el pelo alborotado, sus manos inertes, el cuerpo hinchado y una finísima aureola divina sobre su cabeza. Junto a ella encontramos a María Magdalena, que desconsolada apoya su cabeza sobre las rodillas. A su lado vemos un cuenco metálico (palangana) con el que limpió el cuerpo de María. Los apóstoles descalzos, muestran diferentes actitudes frente a esa muerte, San Juan erguido reflexiona, otros sollozan, secan sus lágrimas u ocultan sus ojos, como muestra de dolor.

Toda la escena se desarrolla en una estancia austera, oscura, de cuyo techo cae un denso telón rojo.

  ELEMENTOS FORMALES 

Ø COMPOSICIÓN.

Diagonal. Organizada a partir del rostro de la Virgen.

Los elementos que la crean son:

         Rayo de luz. Surge desde una ventana situada en la parte superior izquierda y llega hasta el rostro de María.

         Los apóstoles dispuestos en escala.

         El cortinaje.

Ø COLOR

Colores saturados.

Predominio del rojo (muerte, pasión-dolor-), cálidos en María Magdalena, ropajes de apóstoles. Se quiere resaltar el sentimiento. (Color por encima de la línea).Pero también vemos el verde color complementario del rojo. Caravaggio quiere reforzar el contraste de actitudes: Rojos y cálidos (sufrimiento, dolor) frente al verde de San Juan (actitud de reflexión).

Ø LUZ

Aspecto esencial.

Utiliza el claroscuro muy acentuado, dando lugar al tenebrismo. Ilumina bruscamente aquello que desea mostrar, sumiendo en oscuridad el resto de la escena. Aquí surge, como ya se ha dicho, desde la izquierda, desde una parte superior cayendo sobre María y Magdalena.

Elemento que moldea dando volumen y da profundidad a la escena, oscureciendo el fondo de la escena e iluminando los primeros planos.

Ø Luz y color se concentran para destacar el dramatismo del momento, el dolor de la escena. A ello colabora el naturalismo que provoca un mayor efecto sobre el espectador. No resalta una mujer idealizada como suele representar la iglesia en las imágenes sino una mujer ahogada en el Tíber, hinchada, descalza….. Es una escena cotidiana. Realismo mostrado también en el anacronismo de los ropajes de María y Mª Magdalena o el cuenco representado como una naturaleza muerta. Y pos supuesto la teatralidad propia de barroco en la presencia del telón que descubre una escena realmente dramática.

 SIGNIFICADO 

Abandona la belleza ideal, la idealización de los personajes, para acercar al espectador un sentimiento profundamente religioso en el que el sufrimiento domina, como pedía la  iglesia tras la Contrarreforma. Sin embargo,Caravaggio, mediante una obra directa, trata de ir más allá, quiere plasmar la verdadera realidad .Quiere, con su naturalismo y su manejo de la luz y el color, hacer sentir al ser humano del momento la verdaderamente la religión, una religión verídica, real. Aunque es de destacar también que no elimina totalmente el carácter sagrado de la escena, como atestigua la finísima aureola que vemos sobre la cabeza de María.

Fue rechazada por irreverente, por escoger como modelo una mujer ahogada en el Tíber o una prostituta; pero sobre todo, por ser  demasiado directa .

Su pintura influirá no sólo en la Italia de su tiempo sino también en otros autores como Velázquez o Rembrandt.

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14 comentarios »

  1. Cristina Martín González said,

    LA BALSA DE LAS MEDUSAS

    Autor: Théodore Géricault.
    Fecha: 1818-1819
    Técnica: Óleo sobre tela
    Dimensiones: 4,91 m X 7,16 m
    Localización: Museo Louvre (París)
    Estilo: Romanticismo Francés (Barroco)

    CONTEXTO HISTÓRICO
    Francia. Mantiene elementos de las tradiciones de la pintura histórica y tanto el tema como la pintura representan un rompimiento con la calma y el orden de la escuela neoclásica. Géricault seleccionó por ello un incidente muy conocido que pudiera generar interés en el público y al mismo tiempo que pudiera ayudarlo a comenzar su carrera.

    TEMA
    Histórico-Político
    La Balsa de la Medusa representa un momento de las consecuencias del naufragio de la fragata francesa Méduse, que encalló frente a la costa de Mauritana.
    Descripción: La Medusa era un barco que viajaba hacia África, dirigido por la marinería aristócrata. La Medusa tuvo un accidente y naufraga. Había dificultad para salvarse en las balsas porque eran muchos los tripulantes.
    Con actitud egoísta, los oficiales deciden cortar las amarras para salvarse a ellos mismos con la mayor rapidez. Quedaron 150 tripulantes a la deriva, la balsa no se movía, solo flotaba. Se sabe que así permanecieron después de 15 días cuando un barco los recoge, al momento del rescate solo sobrevivieron 15 hombres, porque los demás fueron asesinados, suicidados o muertos por inanición.
    Este accidente se convirtió en una enorme vergüenza pública para la monarquía francesa.

    ELEMENTOS FORMALES

     COMPOSICIÓN.

    Hay crescendo que parte de cero de los muertos en primer plano pasa a los reanimados por la esperanza. Sobre el plano inestable de la balsa la composición muestra 2 ejes: uno marcado por el cadáver que está en primer plano sostenido por un anciano y que continúa gasta el joven situado en la parte superior que levanta la tela para pedir ayuda; el otro por el mástil del personaje que lleva un velo en la mano completado por la diagonal del cadáver del primer plano a la derecha del lienzo. Éstas diagonales evocan la fuerza del Barroco.

     COLOR.

    La paleta es muy reducida, va del beis al negro pasando por los tonos pardos, claros y oscuros. Consigue una atmósfera de tonos cálidos con colores armonizados que produce una impresión dramática de angustia y desamparo.

    El color dominante es el beis oscuro y apagado. Sin embargo, existe un elemento que se destaca del resto por su color: es la estola rojiza que lleva en la mano el anciano que sujeta un cadáver con la mano. También destaca la tela que sujeta el joven situado en la parte superior del cuadro.

     LUZ

    La luz es fuerte, dirigida y con claros valores expresivos. Géricault busca con ella la creación de un ambiente dramático, acentuando los gestos de los personajes.

    La luz nos dirige sobre todo su atención a los muertos del primer plano y a personajes que se abalanzan hacia delante en busca de buscar su última oportunidad y en el fondo el fuerte resplandor del atardecer sobre el cielo nuboso, sirve como cierre luminoso y dramático de la escena.

    SIGNIFICADO

    En este cuadro destaca sobre todo el contenido histórico y político que se refleja en la sociedad. Géricault seleccionó un incidente muy conocido que pudiera generar un gran interés público y mostrar un sentimiento de angustia, desgracia y sobre todo sentimiento, tal y como refleja el cuadro y los rostros de los personajes.

    Antes de comenzar a trabajar en la pintura final, hizo una investigación intensa y produjo muchos bocetos preparativos. Entrevistó a dos de los supervivientes, y construyó un modelo detallado a escala de la balsa. La pintura probó ser altamente polémica en su primera exhibición en el Salón de París de 1819, atrayendo elogios apasionados y condenas por igual.

    La influencia de la pintura puede ser vista en los trabajos de Eugène Delacroix, J. M. W. Turner, Gustave Courbet y Édouard Manet.

  2. Irene Casis said,

    LA MUERTE DE MARAT

    Autor: Jacques-Louis David
    Fecha: 1793
    Técnica: Óleo sobre lienzo.
    Dimensiones: 165cm X 128cm
    Localización: Museos reales de Bellas Artes deBruselas, Bélgica.
    Estilo: Neoclásico

    CONTEXTO HISTÓRICO
    La pintura representa el fallecimiento en 1793 de Jean-Paul Marat, David era un amigo íntimo de Marat, así como un firme partidario de Robespierre y los jacobinos. Quedó abrumado por su capacidad natural para convencer a las masas con sus discursos, algo que él todavía no había logrado a través de la pintura (por no mencionar sus dificultades a la hora de hablar, debido a una deformidad facial causada por una herida durante un duelo). Determinado a conmemorar a su amigo, David no sólo le organizó un espléndido funeral, sino que pintó su retrato poco después.

    TEMA
    Político.
    Debido a que Marat era un Jacobino que fue asesinado por una mujer llamada Corday, para salvar Francia de gente como el.
    Descripción:
    Marat aparece muerto en la bañera. Empezando por la parte derecha del cuadro encontramos una sabana blanca que llega más o menos hasta la mitad de la obra y el turbante es del mismo tejido y color, seguidamente una tela verde que le hace contraste a la anterior. La mayor parte de su cuerpo se sitúa en la parte de la sabana blanca, con una pose de derrumbamiento. El agua de la bañera se ha coloreado rojo, para afirmar la muerte dando a pensar que todo es sangre, y los ojos permanecen cerrados afirmando ese hecho.
    También encontramos una caja de madera que la usa de mesita, y tiene la forma de lápida con la inscripción de su nombre.
    Marat sujeta en una de sus manos una carta que iba dirigida al apoyo de la facción girondina, mas moderada, y en la otra mano sostiene una pluma de color blanca, porque seguramente venga de las palomas blancas, que representan la paz.

    ELEMENTOS FORMALES
    • Composición:
    Tiene una disposición diagonal, que es creada por la luz que entra por su parte inferior derecha y acaba por la superior de la izquierda, es decir comienza por un lado claro de la piel del cuerpo y acaba en la pared que es de un color oscuro.
    • Color:
    Usa colores apagados, que hacen destacar la claridad del cuerpo y ayudan con la expresión de la cara, de sufrimiento.
    Usa el color blanco para las sabanas dando sensación de privilegio, riqueza y
    sensibilidad.

    El color verde esta pintado de una manera que expresa también sensibilidad, ya que parece terciopelo y da suavidad.
    Y la caja de mesita con forma de lapida al estar pintada de marrón dando a parecer madera rompe con el verde que es mas oscuro, y a su vez da brillo a la obra.
    El rojo de la sangre da dramatismo y acompaña a la posición del cuerpo y la expresión de la cara.
    • Luz:
    Es un aspecto fundamental que da luz, movimiento, profundidad y expresión a la obra.
    Por ejemplo le da movimiento a la sabana blanca, expresión a la cara y al cuerpo, e ilumina y hace destacar lo fundamental de la obra, es decir a Marat que es a quien va dirigido el homenaje.

    SIGNIFICADO
    El cuerpo tiene una semejanza a la escultura, con las facetas del cuerpo marcadas, debido a que se inspiraban en modelos griegos.
    Le da importancia a la línea, diferenciando todos los elementos que componen la obra.
    Da un uso a los colores convencionales, de las composiciones ordenadas, y usa un tema histórico.
    Tiene una intención ideológica de que el espectador sufra y sienta la obra.

  3. Teresa de la Iglesia said,

    COMENTARIO DE TEXTO : La libertad guiando al pueblo. Eugéne Delacroix

    -AUTOR : Eugéne Delacroix
    -FECHA : 1830
    -TÉCNICA : óleo sobre lienzo
    -DIMENSIONES : 259 x 325 cm
    -LOCALIZACIÓN : Museo Louvre (París)
    -ESTILO : Romanticismo francés

    EUGÉNE DELACROIX

    Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix
    (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 1798-París, 1863) Pintor francés. Aunque nacido en el seno de una familia formada por Charles Delacroix, político de profesión, y Victoire Oeben, que pertenecía a una familia de artesanos y dibujantes, se da prácticamente por seguro que su padre fue Talleyrand, un diplomático amigo de la familia. Se formó en el estudio de Pierre Guérin.
    Al hablar de Delacroix, estamos hablando de uno de los discípulos mas famosos de David, a pesar de que su pintura poco tiene que ver con el arte que procesaron los discípulos de este. Siente una especial admiración por Gericault, muestra de ello tenemos en “La Barca de Dante”, en la cual encontramos mucho de “La balsa de la medusa” de Gericault.
    Cuando hablamos de él, es inevitable hablar de su vida puesto que a pesar de ser considerado discípulo de David, como bien dije al principio, poco tiene que ver su arte con el de este, por tanto no podemos precisar con claridad cuales fueron sus maestros. El padre de Eugene murió en 1805 y su madre en 1814 por tanto tuvo que ser acogido por su hermana Enriqueta que vivía en Paris. En 1816, se inscribió en la Escuela de Bellas Artes, encontrando allí amigos algo mayores que él, lo que favoreció su desarrollo.
    Delacroix vivió solo en París, con algunos viajes a su tierra natal, Turena. Nunca tuvo familia, vivió y murió célibe. Son conocidas sus dificultades sexuales lo que ayudó a marcar el temperamento romántico de Delacroix, así como, también influyó en el predominio de cuerpos femeninos en sus obras, valorizando con ellos la belleza.
    Estamos ante un gran admirador de Rafael y Andrea del Sarto a pesar de no haber ido nunca a Italia, los admira por las obras vistas en los museos; el color y la luz clásicos no llegaran a influir en su obra hasta mucho mas tarde. El hecho no haber ido nunca a Italia contribuyó a afirmar su carácter romántico.
    Antes de cumplir los treinta años, Delacorix ya goza de una gran reputación recibiendo así grandes encargos del gobierno. Es invitado por gentes de alta categoría y allí encuentra quienes pueden comprenderlo; sobre todo en los salones donde puede gozar de la música, su arte favorito. Música y pintura son placeres, goza especialmente escuchando tocar a Chopin .
    A mitad de siglo, había conseguido la reputación de jefe de la escuela romántica y el gobierno monárquico de Luis Felipe le prodigaba encargos decorativos de gran importancia. Hacia la mitad de su vida, Delacroix hizo dos grandes viajes, que tuvieron bastante importancia en su estilo. Fue a Marruecos, y allí conoció el Islam del África del Norte. Ve la mujer encerrada, y pinta el interior de un harén , pinta una cacería de leones, la ceremonia de salida del sultán… temas relacionados con lo que encontró en su viaje. Visita también Turquía dónde apreció otro tipo de vida oriental. Estos dos viajes influyeron a la hora de completar su repertorio romántico; la mujer, los animales e incluso la muerte, son temas que incluye en su pinturas a partir de sus viajes.
    Sus últimos años fueron algo tristes, estaba muy enfermo, murió el 13 de Agosto de 1863. Hoy en día, Delacroix ha conseguido la glorificación, estando considerado como un gran revolucionario en el arte, un precursor.

    CONTEXTO HISTÓRICO

    Sucede en Francia en 1830. El Rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. La disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enfadados de todas las clases sociales.

    Ello llevó a la huida del Rey, y la posterior llegada al trono de Luis Felipe de Orleáns.

    TEMA

    Es una de las primeras pinturas de carácter político.

    La figura femenina con la bandera tricolor representa a la libertad y a Francia. Es la que anima al pueblo hacia la libertad y la democracia, y a rebelarse contra la monarquía.
    Se ven burgueses, obreros, jóvenes y adultos que se unen en su lucha contra el antiguo régimen.
    El sombrero frigio simboliza el liberalismo.
    Se ve la unión de descamisados y burgueses.

    ELEMENTOS FORMALES

    COMPOSICIÓN

    Es triangular o piramidal.
    Los elementos son:
    . La base formada por los muertos por la libertad
    . El pico es la bandera tricolor de la libertad

    COLOR

    Son colores cálidos y pálidos.
    Hay alguna pincelada fuerte como el azul, el rojo y el blanco de la bandera.
    El rojo y el azul de la bandera, de la vestimenta del herido que se alza delante de la Libertad, y de la camisa del muerto de la izquierda resaltan por encima de todo el predominio de las tonalidades ocres y grises del conjunto.

    LUZ

    La luz no es uniforme, tiene claroscuros muy pronunciados.
    La luz es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del niño que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos del hombre del sombrero de copa.
    La luz, junto al color, tiene el objetivo de potenciar el movimiento.

    SIGNIFICADO

    Es un cuadro realista que aúna alegoría y realidad. Muestra los sucesos revolucionarios que se sucedieron en julio de 1830 y que pusieron fin al reinado de los Borbones en Francia, dando paso a una monarquía constitucional.
    La alegoría se ve en la figura de la mujer que representa a la libertad.
    El lienzo tiene como finalidad resaltar el espíritu combativo y de rebeldía que unió al pueblo francés.
    Para destacarlo, en la tela aparecen representantes de varias clases sociales: la burguesía, personificada en la figura que lleva una chistera y empuña un fusil; el proletariado, representado en el personaje de camisa blanca, un sombrero con escarapela y un sable en su mano derecha; los jóvenes que simbolizan el futuro cambio; o la gran masa popular que llena el fondo de la obra.
    Guiando a todos ellos destaca una figura femenina armada con un fusil que ondea la bandera tricolor de Francia, y que avanza imparable, como la revolución.
    Asume los ideales revolucionarios de libertad, igualdad y fraternidad. Se trata de la personificación de la Libertad, y por asimilación, de la nueva Francia.

  4. Adrián Pozo Alonso said,

    El Ángelus

    Autor  Jean François Millet
    Fecha  1857-1859
    Técnica  Óleo sobre lienzo
    Medidas 66 cm. x 55,5 cm.
    Localización  El museo de Orsay
    Estilo  Realismo francés
    Contexto histórico 
    Las manifestaciones artísticas que plasman la realidad, mas allá de las controversias, centran la atención del espectador en un mensaje crítico que produce una reacción, una movilización que traerá como corolario la conciencia en la libertad y la nación para dejar de lado lo superficial e individual del romanticismo.
    Tema
    La obra de Millet, representa una escena campestres, donde aparecen dos campesinos, rezando el Ángelus una oración de mediodía que recuerda el saludo del ángel a la Virgen María en la anunciación, en medio de un campo desértico, el cuerpo de el hombre deja a la sombra su rostro ya que se pone de espalda al sol y la mujer queda en una postura de perfil mostrándonos la parte de la cara que queda en sombra reflejando el momento de soledad de cada persona en ese instante. Quiere reflejar el momento que se vive con la burguesía y el maltrato a los obreros.
    Composición
    La luz en esta obra la luz juegan un importante papel ya que proviene del sol, y hace que los personajes aparezcan en sombra debido a su posición de espaldas , la luz también ilumina el campo de atrás de lo personajes dándole profundidad y realismo a la obra. La luz provine de la esquina superior derecha diciéndonos así que la posición del sol es de mediodía.
    Color 
    El color usado por el autor, es en el paisaje un gama de colores suave ya que están iluminados por la luz el sol, y para los personajes usa una gama de colores mas oscuros ya que están contra el sol, y demuestran la soledad y la angustia, y los malos momentos que están viviendo la gente del momento.
    Significado 
    La obra tiene un significado crítico ya que muestra a dos campesino , en referencia a el maltrato de los campesinos, muestra la mala vida y el sufrimiento. Es una critica a la burguesía del momento que solo se preocupa por el interés propio

  5. Adolfo Íñiguez de Diego said,

    SATURNO DEVORANDO A SU HIJO
    • Autor: Francisco de Goya.
    • Fecha: de 1820 a 1823.
    • Técnica: óleo al secco pasado a óleo sobre tela, ya que la “Quinta del Sordo” donde estaba pintado iba a ser derruida.
    • Dimensiones: 146 × 83 cm.
    • Localización: Museo del Prado, Madrid, España.
    • Estilo: Romanticismo.
    • Contexto histórico:
    España. Trienio Liberal; un pronunciamiento de los liberales consigue triunfar finalmente, el coronel Riego lo lleva a cabo y se vuelven a instaurar las reformas de la Constitución de 1812 de Cádiz, en contra de la voluntad de Fernando VII.
    Tres años después los Cien Mil Hijos de San Luis entrarían en España para acabar con el régimen y restaurar a Fernando VII en su trono.
    • Tema :
    Melancolía, horror y destrucción presentas en todas las Pinturas negras.
    El dios Saturno o Cronos en la mitología romana devora a uno de sus hijos, como hacía con todos los de su mujer Rea, ya que iba a ser destronado por uno de ellos.
    -Descripción:
    El dios Saturno o Cronos devora a su hijo recién nacido; que tiene los hombros y los brazos ensangrentados, no tiene cabeza, tiene un color muy pálido y es la parte del cuadro que más llama la atención, y tiene uno de sus brazos en su boca, el pelo gris y demacrado, cuerpo deforme, cara de horror y apariencia inhumana. Todo esto se encuentra sobre un fondo negro y con manchas de colores oscuros.
    • Elementos formales:
    -Composición:
    La forma en que el cuadro está distribuido invita a subir hacia arriba, a lo vertical, sobre todo por la disposición del cuerpo del hijo, totalmente recta y vertical y lo enorme del dios Saturno.
    La figura del cuerpo de Saturno está cortada, lo que mueve al espectador a entrar más en el cuadro haciéndose más participe del horror de este acto. Saturno se encuentra dispuesto encogido, con una rodilla en el suelo.
    -Color:
    Colores muy oscuros en el fondo con algún contraste mínimo entre ellos, en el cuerpo deforme del dios encontramos un color carne con reflejos de luz y partes de más oscuridad, el color se intensifica en la cara de este siendo más saturado en esta que en el resto del cuerpo, el pelo de Saturno es gris con pequeños contrastes en él. En el cuerpo de su hijo encontramos colores más muertos, su espalda, la parte más clara de su cuerpo con un color casi del todo blanco destaca sobre el resto de un color carne un poco menos intenso de lo normal, destaca el rojo de la sangre sobre el color casi blanco de la espalda.
    -Luz:
    Elemento que tiene mayor importancia que el color en esta obra. Un haz de luz da en la espalda del hijo de Saturno, otros dos en el brazo, hombros y cabeza del dios y otro en su rodilla. Encontramos claroscuros por todo el cuadro, pero sobre todo en el cuerpo de Saturno para darle un aspecto más demacrado y alguno en el cuerpo inerte del hijo.
    -Profundidad: la luz es uno de los únicos elementos que da volumen, forma y profundidad en la obra, acompañada de la oscuridad.
    • Significado:
    Pinta mediante manchas de color para darle más sensación de horror a la escena. Mediante los negros, blancos y cobres que utiliza en el cuadro aporta una mayor sensación de demacración de algo inhumano que nadie podría hacer como es comerse a su propio hijo. La obra pertenece a una de las etapas más tristes y melancólicas de Goya, cosa que se refleja en su manera de pintar. En esta etapa, la de las Pinturas negras se dedicó a pintar sobre las paredes de una propiedad suya llamada la Quinta del Sordo.
    La obra refleja el talento con las luces y las sombras que tenía Goya, su habilidad para llamar la atención de aquel que observa la obra sobre un punto en concreto y su estilo personal que consistía en pintar mediante manchas.

  6. ramiro said,

    LAS HILANDERAS
    AUTOR: Diego Velázquez
    FECHA: 1657
    TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
    DIMENSIONES: 222,5 cm x 293cm
    LOCALIZACIÓN: Museo del prado, Madrid
    ESTILO: Barroco español
    CONTEXTO HISTÓRICO:
    España. Es un período de auge en la cultura española y conocido este siglo como el siglo de oro. En la pintura se adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes. Se desarrollan nuevos géneros como los paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas,. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
    TEMA
    Mitológico.
    Cinco hilanderas tejen el tapiz de la fábula de Atenea y Aracne.
    Descripción: aparecen cinco hilanderas tejiendo un tapiz en una sala no muy grande. Tres de ellas ( las de la derecha) trabajan en silencio y concentradas, las otras dos dialogan. Es un tema mitológico debido a que se representa la historia de Atenea y Aracne. Aracne ( representado por un hilandera de la derecha) desafió a Atenea, creadora de la rueca( la que se encuentra vuelta hablando) tejiendo el tapiz mas hermoso. En el fondo se representa un cuadro llamado el rapto de Europa, y está relacionado con ello. Se representa una escena cotidiana y al fondo se localizan un conjunto de mujeres ricas dialogando y observando el cuadro.
    ELEMENTOS FORMALES:
    • Composición: horizontal, se observan dos zonas, la primera zona de las hilanderas todas a la misma altura y una zona más alta y alejadas con las burguesas y el cuadro. Y también se puede componer verticalmente bebido al telón de la izquierda la puerta que abre paso al fondo y un pequeño trocito de puerta a la derecha.
    • Colores: son saturados. Hay un gran predominio del color rojo en la pared cercana, el telón, la ropa de una de las hilanderas que resalta la pasión con la que realizan el trabajo, también predomina el color blanco en la ropa de las hilanderas y el fondo representando la brillantez y sencillez.
    • Luz y color se unen para dar un fuerte contraste entre el rojo oscuro y la luz que se asoma en las zonas blancas iluminando a Aracne y el cuadro, representando una situación cotidiana.
    SIGNIFICADO
    En este cuadro de carácter mitológico se representa una idealización de los personajes debido a que se muestra a Atenea como una anciana en símbolo de sabiduría y a su lado Aracne, hilando. Velázquez, muestra en este dibujo el gran manejo que tiene de la pintura, el contraste y la simbología, unificándolo todo y dándole sentido, a partir de un tema mitológico. Durante un tiempo esta obra fue considerada una alegoría política y fue tema de debate para finalmente ir abandonando esa idea.

  7. Javier Anda Moreno said,

    TERRAZA DEL CAFÉ DE LA PLACE DU FORUM EN ARLÉS POR LA NOCHE (EXTERIOR DE CAFÉ)

    – AUTOR: Vincent Willem Van Gogh

    – FECHA: 1888 (Septiembre)

    – TÉCNICA: Óleo sobre lienzo

    – DIMENSIONES: 81 x 65.5cm.

    – LOCALIZACIÓN: Otterlo, Rijskmuseum Kröller-Müller, Países Bajos

    – ESTILO: Postimpresionista, Neoimpresionismo

    – CONTEXTO HISTÓRICO:
    Francia, durante la Tercera República. Periodo establecido desde el fin del Segundo Imperio Francés, tras el apresamiento de Napoleón III durante la Guerra Franco-Prusiana, hasta el establecimiento de la Cuarta República al finalizar la Segunda Guerra Mundial. Durante este periodo y tras el intervalo del Régimen de Vichy se da una democracia parlamentaria.

    – TEMA:
    Tema de tipo social, muestra el exterior de un café en una plaza francesa, de noche.

    – DESCRIPCIÓN:
    Encontramos un café por la noche visto desde fuera, en concreto el café de la Place du Forum en Arlés. Se aprecia en el cuadro, en una vista general, una escena cotidiana de verano en un pueblo francés. El autor pinta una escena de una terraza de un café en la que observamos varios grupos de personas, o bien acomodados en dicha terraza, o paseando por las inmediaciones de tal lugar. A la izquierda del óleo encontramos la terraza del café introducida por el marco de un portal inacabado que, junto con el árbol también inacabado del margen derecho, dan al espectador la sensación de intromisión dentro del cuadro. En el fondo observamos cómo las luces de la plaza van desapareciendo progresivamente al adentrarse en el callejón del fondo de la plaza, punto de salida del cuadro.

    – ELEMENTOS FORMALES:
    o COMPOSICIÓN: Clásica con el punto de fuga en el centro.
     Elementos que lo facilitan:
    Contraposición entre colores y luz.
    o COLOR: Predominio constante del amarillo y el azul, colores muy utilizados por el autor en sus obras. Representación de la noche con ausencia del color negro, el artista utiliza tonalidades de azules y morados. También observamos en algún elemento el uso de verdes, rojos y blancos, con el fin de captar nuestra atención.
    o LUZ: Elemento imprescindible en un cuadro de estas características. Observamos el contraste entre la luz (en la terraza del café) y la oscuridad (en el resto de la escena, a excepción de algunos puntos de luz). Nos topamos, por tanto, con un claroscuro destacable, en el que el autor remarca como punto de reclamo del espectador la terraza del café.

    – SIGNIFICADO:
    Este cuadro trata de expresar la búsqueda por parte de Van Gogh de tranquilidad, serenidad y humanidad, ya que no gozaba de una salud mental favorable. El autor trata de encontrar este estado que he mencionado mediante la representación de personas en un ambiente de recreo, en la plaza del que entonces era su pueblo de residencia, Arlés. Asimismo puede interpretarse de sus colores un estado quizás no tanto de ansiedad, si no de lucha interior observable en la contraposición de la luz y la oscuridad, el uso de colores fríos, en la noche. También podemos sonsacar de su personalísimo estilo de pinceladas gruesas y el uso de manchas, su agonía y desesperación, ya que su calidad artística no fue reconocida hasta bien superada la fecha de su muerte. Tras mi reflexión, he de decir que el cuadro está dotado de una calidad excepcional y, pese a sus constantes contraposiciones, el autor ha sabido introducirnos dentro de su obra para disfrutarla profundamente.

  8. eduardo andres said,

    Comentario de Los fusilamientos de la Moncloa

    Autor: Francisco de Goya
    Fecha: 1813-1814
    Técnica: Óleo sobre lienzo
    Dimensiones: 2’68 m X 3’47 m
    Localización: Museo del Prado
    Estilo: Romanticismo

    CONTEXTO HISTÓRICO
    Francia. Se empezaron a conocer los planes de Napoleón Bonaparte que era engañar a los españoles haciéndoles pensar que solo querían ir a por Portugal y entonces Joaquín Murat pensaba que estarían más controlados bajo el mando del hermano de Napoleón y como ya había habido gobernantes extranjeros pensaron que no iba a haber problemas, pero los españoles se dieron cuenta y se rebelaron contra ellos con lo cual fueron fusilados en distintos sitios de Madrid como en la Montaña del Príncipe Pío y Goya al pintarlo pregunto a gente que lo había visto y se informó.

    TEMA

    Conmemorativo.
    Los valientes vecinos españoles murieron por rebelarse ante la traición a la que iban a someter al país. También influyó para que pintase este cuadro el estado de miseria que le había dejado la llegada de los franceses.

    Descripción: Al fondo se puede ver la Moncloa. En el centro de la imagen contemplamos a los soldados que fusilaron a los españoles, todos con un fusil apuntando al corazón de los españoles.
    Entre los españoles podemos contemplar distintas posturas, el central levanta los brazos como diciendo “mátame ya que quiero acabar con este sufrimiento´´ .Los de su alrededor se tapan la cara para no ver el horrible espectáculo que iba a suceder ese terrible 3 de mayo de 1806.

    Elementos formales

    COLOR

    Usa sobre todo colores oscuros y fríos porque es una escena por la noche y porque quiere demostrar la frialdad del momento de la muerte.
    A excepción del hombre que levanta los brazos situado en el centro que lleva un pantalón amarillo y una camiseta blanca para realzar que es el más valiente de todos y que es al que le tocaba morir.

    LUZ
    Es un aspecto muy importante ya que realza al próximo ejecutado y por detrás resalta el palacio de la Moncloa. Da mucha profundidad a la escena alejando el sitio de la ejecución del resto de Madrid para que nadie vaya en su ayuda.

    Significado

    El autor no se para mucho a hacer los rasgos de la cara ni a hacer una pintura muy bonita en cuanto a detalles artísticos, el lo que busca es darle importancia a eso que sucedió en esa época y que pensemos que en vez de el que está arrodillado fue asesinado que podía haber sido él o algún familiar nuestro. También muestra lo unidos que estaban los españoles todos juntos sin separarse protegiéndose unos a otros
    En mi opinión es un cuadro que hace reflexionar sobre el sentido de la vida, la unión y la confianza que hay que depositar a desconocidos a parte de la gran belleza artística en la que realza distintos elementos de Madrid como la Moncloa

    FIN

  9. fernando renero said,

    La casa Batlló

    Autor: Antonio Gaudí
    Fecha: 1904-1906
    Técnica: Arquitectura modernista
    Dimensiones:
    Localización: Paseo de gracia, 43. Barcelona
    Estilo: Modernismo

    Contexto histórico:
    España. Antonio Gaudí tenía era un arquitecto al cual le encargaron diversas construcciones, esta concretamente se la encargó una familia de fabricantes de Barcelona. El modernismo tenía como función desvincularse de las corrientes imperantes en Europa, de fusionar vida y obra. Ese era el tema fundamental, que los objetos, costumbres y otras facetas de la vida cotidiana se fusionasen con la obra.

    Tema:
    No tiene un tema principal, ya que fué un encargo que la familia Batlló le hizo a Antonio. El tema era la reconstrucción de una casa de la familia Batlló.
    Descripción: La casa tiene la forma de un dragón, y en la fachada presenta un mosaico con azulejos y en los balcones muestra unas mascaras típicas de carnaval. La fachada muestra además del mosaico unas columnas con forma de huesos, con representación de vegetales. Las puertas y ventanas tienen forma ovalada. Para terminar le dió a la casa un aspecto ondulado para que así tuviese un aspecto ascendente. La luz tiene un gran papel en la casa ya que se juega mucho con ella gracias a la multitud de ventanas que tiene la fachada. En el tejado hay cuatro columnas helicoidales y rematadas con sombretes cónicos.

    Elementos formales:
    Composición: forma de dragón (tejado), mosaico (fachada)
    Los elementos que se crean son:
    -Rayos de luz, gracias a la multitud de ventanas y aperturas que posee la casa.
    -Forma de la espalda del dragón
    -Mosaico en la fachada
    -Columnas con forma de huesos
    Color: Mosaico con gran diversidad de colores y transparencias en las ventanas.
    Luz: Aspecto fundamental. Muy abundante, gracias como he dicho anteriormente a la abundancia, sobre todo, de ventanas. Hay luz en la mayoría de las partes de la casa, además es luz natural. Gracias a los patios de luces (2) que tiene la casa la luz no escasea en las partes centrales de la casa. Así además provoca un efecto de profundidad. Esto ayuda a romper con las costumbres imperantes en Europa jugando con la variedad de los colores del mosaico que hay en la fachada. No es una casa cotidiana así también ayuda a romper con las costumbres anteriormente citadas, además del aspecto teatral que le da a su obra con las mascaras de los balcones.

    Significado:
    Abandona lo cotidiano para romper con lo frontal de la época. Gaudí trató de hacer lo extraordinario reconstruyendo una casa antigua de la familia Batlló. Trató de expresar sus sentimientos en una época en los que no eran habituales y ayudaron a Gaudí ser el gran artista que fué.

  10. Delia Rodriguez Galilea said,

    EN LA TERRAZA:

    Autor: Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
    Fecha: 1881
    Técnica: Óleo sobre lienzo
    Museo: Chicago Art Institute
    Dimensiones: 100x81cm
    Estilo: Impresionismo

    CONTEXTO HISTÓRICO:
    Quieren sustituir el ideal de la belleza por el ideal de libertad presente en esa época en la sociedad.

    1. Impacto del ferrocarril: Se experimentó el concepto de velocidad. La retina captaba una realidad distorsionada.
    2. Impacto de la fotografía: Esta demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo.
    3. Impacto de la Naturaleza y de la Luz: El autor gracias al óleo en tubo, sale de su taller para pintar al aire libre, que le revela una realidad llena de luz y color.
    4. Impacto del tiempo: El tiempo es un tema que obsesiona al hombre y en especial al pintor, la técnica de los nuevos pintores necesita de una pincelada rápida y hábil.
    TEMA:
    Social: Representa escenas de la vida social francesa.
    Descripción: En esta obra aparece una joven madre, vestida de azul oscuro con un sombrero rojo en la cabeza. Presenta un rostro de rasgos ya formados, su mirada está perdida en la lejanía. Junto a ella esta la niña, sonrosada y con expresión dulce. Ambas llevan vistosas flores en los sombreros, y la madre también en el pecho. La niña juega con una cesta llena de ovillos de lana. El autor pone el énfasis en la juventud y la vitalidad de las dos figuras principales, que tienen la forma bien definida, al contrario que el fondo del cuadro, que está separado por una barandilla de hierro por la que trepan enredaderas, detrás de ella el paisaje es nublado y formado por una rica naturaleza de colores intensos y un río azul claro por el que pasan canoas con remos.
    ELEMENTOS FORMALES:
    las personas, en el cesto de lana y en las flores de la maceta verde. El color era muy importante para Renoir, por eso elegía los paisajes de primavera o verano.
    -Luz: En este cuadro Renoir capturó una gran cantidad de luz. Como se puede apreciar, la mayor cantidad de luz viene del lado izquierdo del cielo, las flores blancas presentes de forma abundante en el cuadro, y el vestido de la niña actúan en conjunto para reflejar esa luz y enviarla a través de toda la composición. Aunque la luz es el elemento que da profundidad a la escena los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva. Apuestan por una pintura plana y bidimensional, porque en realidad es como lo percibe nuestra retina.
    -Técnica: La técnica del impresionismo consiste en pinceladas sueltas y rápidas.
    SIGNIFICADO:
    Es una representación espontánea y directa, basada en la realidad. Lo que se intenta es que la obre reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla.
    En esta obra se han eliminado los detalles minuciosos. Las formas se forman con los colores primarios y secundarios, para ofrecer una ilusión de la realidad aplicando en el lienzo pinceladas de color cortas.
    Trata de transmitir la diversión, la alegría de vivir, mediante figuras jóvenes, dulces y una naturaleza agradable.

  11. Blanca Jiménez España said,

    LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD.

    -Autor: Joseph Mallord William Turner
    -Fecha: 1844
    -Técnica:Óleo sobre lienzo
    -Dimensiones: 91cm x 121,8cm
    -Localización: National Gallery de Londres. Londres( Reino Unido)
    -Estilo: Romanticismo

    CONTEXTO HISTÓRICO

    En Inglaterra se vivió una época de industrialización que provocó cambios en las sociedad, muchas personas no recibían estos avances industriales con gran emoción mientras otros quedaban asombrados. En esta época se vivía la aparición de máquinas, como el ferrocarril, que provocó un fuerte impacto en la sociedad debido a su grandiosidad y a su velocidad. Esto suponía un gran avance en el mundo moderno.

    TEMA

    Paisaje.
    Pinta un puente que cruza el Támesis y forma parte del recorrido que hace el ferrocarril del oeste.
    -Descripción: En la parte izquierda del cuadro podemos observar la imagen de un puente que cruza el río Támesis. En el agua encontramos una pequeña barca con varias personas en su interior. El puente y la barca se encuentran reflejadas en el agua como si se tratase de un espejo. En la parte derecha observamos un tren, su imagen se ve borrosa debido al humo provocado por él mismo y a su mezcla con la lluvia. A la izquierda del tren encontramos una liebre que da velocidad al tren . En esta parte hay colores más oscuros que provocan contraste con la otra mitad del cuadro y con el cielo. Todo el cuadro se encuentra emborronado por trazas que dan sensación de lluvia.

    ELEMENTOS FORMALES

    -Composición

    No hay claridad en las formas, todo queda en un ambiente de misterio.
    -El ferrocarril; que aparece dando profundidad al cuadro.
    -El puente; traza una línea diagonal que provoca velocidad.
    -Color

    Muestra un gran contraste. Avanza desde el color más blanco al negro más puro. En este cuadro juega con los colores, rascándolos de manera que más que formas hechas parecen esquemas, los cuales en nuestros ojos provocan un efecto de velocidad y movimiento. El ferrocarril lo personaliza con un color oscuro de forma que en un simple golpe de vista en el cuadro lo primero que vemos es el ferrocarril. El cielo esta constituido por diferentes capas de pintura, no por una simple pincelada. Utiliza el color dando pinceladas sin un orden claro, para dar mayor protagonismo a la luz.

    -Luz

    Es la protagonista del cuadro. Se filtra a través de la lluvia. La luz es muy intensa y transmite más emoción que realidad, con ella logra crear la atmósfera de la obra. Intensos rayos de luz caen en diagonal sobre el ferrocarril, con esta luz lo exalta y parece que es ella la que guía al tren.
    -El color y la luz forman una atmósfera lluviosa, el cuadro está muy difuminado lo que da sensación de caos, movimiento y velocidad. Ninguna pincelada es clara, las formas como el ferrocarril, aparecen como fantasmas. No es una escena realista, su intención es provocar la emoción. Se interesa mucho más por el ambiente que crean todos los elementos de su cuadro.

    SIGNIFICADO

    En esta época la gente empezaba a estar interesada en el mundo de las máquinas. Turner intenta plasmar la fuerza del progreso del mundo moderno, realzar la creación de estos nuevos mecanismos, su importancia en la sociedad. él mediante su forma de pintarlo quería mostrar al público el hechizo que provocó en él tal invento como es el ferrocarril.

  12. Carmen González Pérez said,

    Viajero junto a un mar de niebla

    Autor: Caspar David Friedrich

    Fecha: 1818

    Técnica: óleo sobre tela

    Dimensiones: 74,8 cm X 94,8 cm

    Lugar: Kunsthalle de Hamburgo (Alemania).

    Tema:
    Religioso. Representa al hombre entre la naturaleza y al mar de niebla como Dios. Las montañas del fondo representan el paraíso.

    Estilo: Romanticismo

    Contexto histórico:
    Friedrich se sentía bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos como al borde del mar o de lagos, en la cima de las montañas, en lo alto de una cascada.

    Descripción:
    Hay un señor de espaldas vestido todo de negro con unos pantalones, una chaqueta larga y con un bastón. No se le ve la cara, solo el cuello y el pelo. Esta de pie encima unas rocas apoyándose sobre su bastón y su pierna izquierda. Detrás de él se ve un gran mar de niebla gris y blanco y unas pocas rocas que salen de el. En el fondo del paisaje hay mas rocas y montañas. Encima de ellas aparece un gran cielo cubierto de nubes grises. El hombre esta contemplando la belleza de este paisaje.

    Elementos formales:
    -composición:
    vertical. Hay equilibrio en esta obra ya que el hombre esta de pie en posición vertical.
    -color:
    usa colores oscuros como el negro, gris, marrón oscuro. Pero también colores más cálidos como el blanco, amarillo. Destaca en el cuadro el color anaranjado del pelo del hombre.
    -luz:
    Es fundamental en el cuadro ya que todo el fondo del paisaje como el mar y el cielo están iluminados por la luz del sol que aparece arriba y a la izquierda del cuadro. Con ello quiere destacar el paisaje que esta contemplando el hombre ya que a él no le esta iluminando porque no es muy importante en la obra.
    -profundidad:
    la profundidad es muy importante en esta obra porque el mar y el cielo están mas alejados del hombre. Con ello el autor quiere destacar la inmensidad de este paisaje, la grandeza del mundo.

    Significado:
    Con esta obra el autor lo que quiere es mostrar la grandeza del mundo y lo pequeños e insignificantes que somos las personas comparándonos con ello. También quiere mostrar la soledad de las personas porque aparece un solo hombre rodeado de un gran paisaje. Nos enseña la belleza del mundo que nos rodea. Las montañas al fondo representan la vida eterna futura en el paraíso. El mar de nubes es una alusión a la divinidad.

  13. María Alvariño Piqueras said,

    LAS MENINAS:

    Autor: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
    Fecha: (1599-1660)
    Técnica: Oleo sobre un lienzo
    Dimensión: 3´18 x 2´76 m
    Localización: Museo del Prado, Madrid.
    Estilo: Barroco

    CONTEXTO HISTORICO:
    Se da en España tras la Guerra de los Treinta Años, cuyas consecuencias fueron una decadencia para España y para el reinado de Felipe IV. Además de el reparto de las posesiones españolas en Flandes que termino con la derrota de Dunkerque en la batalla de las Dunas por parte de Felipe IV. Y por todo esto el rey estaba muy envejecido y bajo mucha presión y eso también lo muestra en su obre de arte.

    TEMA:
    Se ve a la familia real unida, mientras Velázquez pintaba a los reyes la infanta junto a sus meninas y unidas también a los bufones de la corte, interrumpe el estudio de pintura del pintor mientras realizaba el retrato a sus majestades. Este cuadro Velázquez lo hizo por libre sin encargo de nadie.
    Descripción: Es un retrato de grupo o retrato real. Se puede ver que esta imagen se sitúa en el estudio de Velázquez ya que la sala está llena de cuadros y él está pintando uno al mismo tiempo. El cuadro está dividido en tres profundidades y en cada una de ellas hay diferentes personajes en la primera se enfoca a la infanta la cual nos mira y que está justo en medio rodeada por sus meninas situadas a derecha y a izquierda, también podemos ver a los bufones de la corte a la derecha y un enano que está jugando con un pastor alemán, tumbado en el suelo. A la izquierda podemos ver a Velázquez mirándonos junto a un lienzo, el cual está pintando, da la impresión de que nos está pintando a los espectadores y esto hace que nos metamos dentro del cuadro es decir que lo vivamos más. En la segunda se encuentran los sirvientes y la gente que vive en el palacio. Y en el fondo del cuadro se ve a un hombre que es el que se ocupa de abrir y cerrarles las puertas a los reyes es un cargo muy importante en la corte llamado aposentador, en la pared se puede ver un espejo en el cual no se ve muy bien la imagen que proyecta pero sabemos que son los reyes a los cuales está pintando en el lienzo, por lo tanto Velázquez lo que quiere conseguir con esto es que los espectadores del cuadro se sientan como los reyes, y lo consigue.

    ELEMENTOS FORMALES:
    • COMPOSICION:
    Profundidad. Empieza en la infanta y acaba en el aposentador que se encuentra en la puerta.
    Esto lo produce:
    1. La luz que va apareciendo por las ventanas de sala. Que van entrando a diferentes alturas.
    2. La disposición y el tamaño de los personajes.
    3. La puesta abierta con las escaleras en el fondo.
    Y esto también se consigue dependiendo a la distancia a la que observes el cuadro, a medida que te vas alejando de este mas dentro te encuentras la habitación se hace más profunda y real se dice que tiene 3 perspectivas es decir que lo puedes mirar desde tres puntos distinto y la profundidad varia con esto.

    • COLOR:

    En esta obra el color no me parece que es lo que el artista quería resaltar o no le dio mucha importancia, pero sí que a la infanta y a las meninas las resaltaba más con adornos rojos o de colores mucho más llamativos.

    • LUZ:
    Es un aspecto esencial ya que es lo que produce la profundidad del cuadro y lo que le da juego a los personajes ya que unos están más iluminados que otros para destacar lo importante y dar más belleza a la obra.

    • DISPOSICION DE LOS PERSONAGES:

    Si nos fijamos bien Velázquez hace un círculo con los personajes que va desde los enanos hasta las meninas y la infanta, luego pasa por Velázquez sube hasta la luz que proyecta la segunda ventana en el techo y termina en el aposentador y si nos fijamos bien en el centro de este círculo se encuentra el espejo donde se ve a los reyes mientras este los pinta. Así que inconsciente mente el pintor nos lleva a donde él quiere que es a ver que estamos situados donde están los reyes para que nos sintamos mucho mas envueltos en el cuadro y parte de él.

    Además de todo esto los personajes también producen movimiento ya que los enanos juegan con el perro, muchos de los personajes nos miran, están en disposición curva y realizando acciones que necesitan movimiento.

    SIGNIFICADO:
    Esta obra el pintor la hizo por libre, nadie se la había encargado realizar este trabajo. Sin embargo el rey quedo sorprendido y se lo compro a Velázquez. Y ahora es una de las obras mas conocidas en el mundo entero.

  14. vanina said,

    hola Carlos , gracias por la interpretacion de la obra es de muchisima utilidad y belleza para quienes queremos conocer este arte, te hago una pregunta sobre algo que me llamo la atencion y no puedo resolver : a quien pertenecen los pies que estan debajo del vestido de Maria en el centro de la escena ?
    gracias !


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